INVESTIGACIÓN FOTOGRAFOS PRECURSORES

André Kertész 1894-1985

Fue un fotógrafo húngaro. Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico. Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.

A pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera. Kertész sirvió brevemente en la Primera Guerra Mundial. En 1925 se mudó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta. Además, allí su trabajo fue exitoso crítica y comercialmente. Sin embargo, la amenaza inminente de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde tuvo una vida más difícil y tuvo que reconstruir su reputación a través de comisiones. 

Andreas Gursky 

Fotografía multitudes y atrae a las multitudes por la limpieza inquietante de sus enormes frescos contemporáneos. Desde 1990 trabaja digitalmente, aplicado a reconstruir escenas del presente de manera obsesiva, con la misma pulcritud que le permitió al gran Vermeer, tres siglos atrás, plasmar en telas mínimas el universo de la mujer burguesa.

Gursky nació en Leipzig en 1955. Hijo único de Willy Gursky, un fotógrafo industrial que le contagió su pasión y profesionalismo, frecuentó la escuela de Otto Steiner, en Essen, y se formó con los maestros de la neue Sachlichkeit (nueva objetividad) Hilla y Bernd Becher, conocidos por sus series de edificios industriales, tanques y galpones registrados con una óptica neutra en fotografías blanco y negro, ya legitimadas como clásicos del siglo XX. Al comienzo, Gursky siguió el modelo Becher, pero su obra dio un vuelco radical luego de un viaje a Japón, a mediados de los años noventa, cuando capturó escenas en la Bolsa de Tokio con los operadores en el fragor de la jornada bursátil. Al hacerlo, combinó el glamour de la fotografía comercial; la herramienta -poderosa para sus fines- de la manipulación digital y el gran formato como marca de identidad. Las series buscan agotar un tema desde diversos ángulos, son narraciones visuales, como las tomas en boxes durante una carrera de Fórmula 1, en los circuitos de Nurburbring y en Shangai, donde compiten las marcas de alta gama: MacLaren, Mercedes, Ferrari, Renault, Toyota y Honda.

Gursky supo crear un estilo que vincula el dominio de la técnica con la elección de los temas: multitudes, grandes espacios y una mirada ubicua como la del Divino Creador. La bolsa de Kuwait, una noche de rave ,ceremonias masivas, desfiles, recitales de Madonna, hipermercados y aglomeraciones que hablan de la inmensa soledad del hombre actual; un ser que, perplejo, circula por los aeropuertos (otro no-lugar) atento al cartel que en la grilla digital marca su destino.

¿Es una imagen real o es una invención? Gursky observa y llega con su cámara hasta los últimos recovecos, es un voyeur que invita al espectador a espiar en la intimidad de las oficinas de una torre en Montparnasse o en la pasarela superior de los boxes, donde una rubia camina con tacos stiletto y hot pants . Nada ingenuo, el alemán conoce los códigos y sabe cómo manejarlos.

Berenice Abbott 1898-1991
 
Berenice Abbott nació en Springfield, Ohio, 17 de julio de 1898 como Berenice. Fue sólo en París en la década de 1920 que aprobó el Berenice ortografía francesa. En un esbozo autobiográfico Abbott escribe acerca de una infancia infeliz pasó con su madre divorciada, separada de su padre y cinco hermanos.

entre pictorialistas y modernistas, con su gusto por el realismo fotográfico, se puso claramente del lado de los modernistas que pensaban que de enfoque suave en peligro inherente a la claridad de la imagen fotográfica y que la materia pictórica era una forma de escapismo y la negación de la vida urbana moderna.

Yasumasa Morimura

Morimura, uno de los creadores japoneses de mayor proyección internacional del arte japonés contemporáneo, que posee una amplia producción conocida en todo el mundo. La muestra es un conjunto integrado por varias series, con las que el artista se dio a conocer a mediados de los años 80, que han sido realizadas en su mayoría a partir de reproducciones de obras maestras de la pintura europea. A juicio de la comisaria de la muestra Pilar Gonzalo, el autor se apropia de lo occidental a través de sus imágenes para posteriormente convertirlas en propias, adaptándolas así a su visión particular y asumiendo con ello una actitud muy propia de la cultura nipona. 

El artista se cuela literalmente en los cuadros más representativos del arte occidental, transformándolos gracias a una especie de omnipresencia creadora, caracterizada por una impecable factura técnica. Consciente de la manipulación, lo primero que el espectador experimenta es admiración por esa maestría artística.

Esta intromisión la lleva a cabo insertando su rostro mediante ordenador en copias fotográficas de los cuadros para crear su propia y caprichosa historia del arte, convirtiéndose además en un irónico protagonista. Mediante esa intervención digital sobre los modelos, podemos observar como iconos fundamentales del arte occidental cómo la Mona Lisa, la Maja Desnuda o las Meninas –por citar algunos ejemplos– adquieren rasgos asiáticos, a través del propio rostro de Morimura que aparece sustituyendo al de cada personaje. El artista se pone en su lugar, en el espacio iconográfico reservado a los protagonistas de la historia del arte europeo, ejercitando lo que los expertos consideran un personal "ajuste de cuentas" con el Occidente colonizador.

Jesús Granada

Nací en Linares (Jaén), en 1973 y resido en Sevilla desde 1991 donde ingresé en la universidad para estudiar en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura. Desde el año 1999 me dedico profesionalmente a la fotografía, en exclusiva a la fotografía de arquitectura y paisaje. En la actualidad dispongo en mi archivo de miles de placas fotográficas, todas digitalizadas y listas para usar en editorial impresa, con proyectos de más de 300 arquitectos de gran parte de España. Mantengo una forma de trabajar tradicional y artesanal en la ejecución de las fotografías, tomando el tiempo necesario hablando de la obra con el autor y posteriormente capturando las imágenes. Realizo exclusivamente trabajos por encargo, con una relación muy estrecha con el autor o los autores de la obra.

Ansel Adams

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados UnidosLa Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros. (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica.

Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.